Die Biokunst von Dorita Savert oder: der Prozess als Produkt (von Aja Waalwijk)

Vom 3. März bis 10. April zeigt die nomadische Künstlerin Dorita Savert in Zaal 100 (De Wittenstraat 100, Amsterdam) Fotografien, Gemälde, Aquarelle und Installationen. Dabei handelt es sich um Serienfertigungen, bei denen natürliche Prozesse zentral sind und die auch zu einer formtechnischen Auflösung führen. Was mit Besichtigungsboxen begann, um Intimität zu bringen, führte zu Aquarellen und Zeichnungen von Blumen, die buchstäblich über ihren Passe-Partouts schwebten. Laut Dorita geben sie dem Papier den Teer, der auch trockene Blumen charakterisiert. Die jüngsten kleinformatigen Installationen, die zwischen 2022 und 2026 durchgeführt wurden, tun dies weiterhin. Sie bestehen aus flach bedruckten Pflanzen, die mit glänzenden Bolzen und Muttern zwischen dicken transparenten Plexiglasplatten gepresst werden. Etwas, das den Organismen, genau wie in einer Sichtbox, einen räumlichen Charakter verleiht. Aber im Gegensatz zu einem Herbarium, in dem Pflanzen getrocknet werden, um Fäulnis zu verhindern, ist der Prozess der Verrottung bei Dorita Ausgangspunkt.

Dorita: „Die Dinge stehen nicht still. Es gibt nicht nur Blüte, um zu fangen, sondern auch Vergänglichkeit, und das ist es, was diese Kunstwerke in ihnen tragen. Ich sehe sie teilweise als Zeitkapseln. Einige haben Schimmelflecken oder sie pulverisieren sich in Staub, denn was sie gemeinsam haben, ist, dass sie sich immer wieder nicht nur in der Farbe verschieben, sondern sich vollständig in etwas anderes vermischen. Mit einer Sammlung von Pilzen erschienen weiße Würmer zwischen den Platten und sogar Fliegen, die erkannten, dass sie durch die Seite entkommen konnten. Das sind Metamorphosen. Aber es ist auch ein Spiel mit Bedeutungen und sie ändern sich auch aufgrund der Form, in der ich Bilder gieße. Ich verbinde daher die Pflanzen aus dieser Serie mit Fotos von industriellem Erbe, um mich durch eine Mischung von Techniken innen und außen ineinander zu vermischen.‘

Dorita visualisiert mehrere Schichten, indem sie verschiedene Formen der Tiefe kombiniert. Durch die dicken Presspexplatten erhalten die Pflanzen zwischen ihnen Geräumigkeit und durch das Platzieren von Fotos dahinter wird eine Dimension hinzugefügt. Die Hintergrundfotos zeigen stillgelegte Industriekomplexe, wie betroffene und überwachsene Hallen oder Maschinen. Sie schlagen vor, unter anderem aufgrund eines perspektivischen Verlaufs eine andere Form der Raumerfahrung als die der Plexiglasplatten. Aber es hört nicht auf. Durch das Bedrucken der Fotos auf transparentem Papier wird auch die Umgebung oder die Farbe oder Struktur des Ortes, an dem das Werk hängt, zu einem integralen Bestandteil. Das Kunstwerk ist eine Symbiose. Man kann auch sagen, dass sich das Kunstwerk räumlich über seine Grenze hinaus erstreckt.

Ein Teil der Ausstellung besteht auch aus einer Reihe von Landschaftsfotografien auf Aluminium. Durch die vertikale Zusammenführung von zwei mehr oder weniger gleichen Fotos und das Aufhängen des niedrigsten Kopfes entstehen scheinbare Wasserstände. Selbst ein umgekehrter blauer Himmel scheint wie ein Spiegelbild, aber die Erscheinungen betrügen; die Landschaft darunter ist nicht nur eine Umkehrung. Und neben einer Reihe von Blumenbildern, samtig aufgestellt für teilweise verschwommene Hintergründe, gibt es auch bemalte Landschaften, ergänzt durch kalligraphische Elemente, die in roter Farbe aufgestellt sind.

Dorita: „Nach einer Gehirnblutung von meinem Vater habe ich eine Reihe von bemalten Landschaften mit Symbolen gemacht, die aus der Programmiersprache aus der Computerwelt stammen.“

Die Zahlen stammen aus Flussdiagrammen (Flussdiagramme). Dabei handelt es sich um schematische Darstellungen zur Visualisierung von Prozessen oder um Fehler und Engpässe darin finden zu können. Ich sah sie als Symbol für Löcher in der Erinnerung. Ich fragte mich: „Was sehen wir uns an?“ Was glauben wir, was wir sehen?‘ Ich mache jetzt auch Zeichnungen auf der Grundlage eines Mikroskops. Ich schildere auch einen Prozess damit. Ich sehe jetzt Pflanzen, in denen auf der Mikroebene Torrets wieder lebendig zu sein scheinen und ich ziehe sie, aber abstrakt, im Sinne der Fragmentierung: Schilde, Flügel, lose Flocken. Inklusion bedeutet für mich, interaktive Räume zu visualisieren. Umwelten sind wichtig, bestehen aus Sphären, die sich ergänzen. In einer neuen Reihe von Kurzfilmen, Fotos und Zeichnungen verwende ich Geo-Koordinaten als Titel. Sie zeigen an, wo das Werk entstanden ist, sind eine Form der Standortkunst, also gestalte ich als Kartograph jetzt Möglichkeiten, Standorte zu verbinden. Landschaften sind Stücke der Natur. Aber wo bist du? Wo fühlen Sie sich zu Hause? Hier und da finde ich noch Orte, die ich denke: das ist ein Ort zu sein, ein solcher Ort, der das Gefühl gibt, dass Sie sind; Teil des Wetters, der Sterne, der Himmel, der Frühling, der Herbst. Draußen zu sein, ist dann Teil des Seins draußen; ein absorbiert in so etwas wie einem Fisch im Wasser. “ Am Sonntag, den 15. März, gibt es die Gelegenheit, den Künstler ab 15:00 Uhr zu treffen.